ИЗО 7 КЛАСС

ИЗО 7 класс

1 четверть

Урок 1

ИЗОБРАЖЕНИЕ ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА
В ИСТОРИИ ИСКУССТВА

Цели:

1. Познакомить учащихся с представлениями о красоте человека в истории искусства.

2. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и любовь к искусству.

3. Развивать творческую и познавательную активность.

– Человек всегда был и остается главной темой в искусстве. Представления о красоте человека, о наиболее существенном в его облике и его действиях менялись в истории искусства.

Среди сохранившихся древних изображений интересны статуэтки женских, так называемых «палеолитических Венер».

Античное искусство Греции и Рима показывает красоту физически совершенного человека.

– Вспомните уроки истории и ответьте: «Какими принципами руководствовались художники при изображении человека?»

Учащиеся отвечают.

Вот знаменитая скульптура древнегреческого скульптора Мирона «Дискобол».

Урок 2

ПРОПОРЦИИ И СТРОЕНИЕ ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА.

Цели:

1. Познакомить учащихся с тем, как происходил поиск пропорций в изображении фигуры человека.

2. Сформировать представление о терминах «пропорции», «канон».

3. Развивать творческую и познавательную активность учащихся.

4. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и искусству.

5. Формировать практические навыки работы в технике аппликации.

Человек – главная тема в искусстве. Каждая историческая эпоха выражает понимание красоты по-своему, но в этом разнообразии, безусловно, есть что-то общее.

Когда мы знакомимся с историей искусства, любуемся совершенными произведениями, например, античной статуей или храмом, картинами Леонардо да Винчи, Рафаэля, Энгра, то нас поражает удивительная гармония, присущая им, которая во многом определяется таким эстетическим качеством, как пропорциональность целого и деталей. Слово «пропорция» в переводе с латыни обозначает «соотношение», «соразмерность». Сравнивая предметы, окружающие нас, по величине, высоте, ширине, объему, мы можем сказать, что одни из них длинные, а другие короткие, высокие и низкие, широкие и узкие, большие и маленькие и т. д. Устанавливая соотношение между предметами и между частями формы отдельного предмета, мы выясняем их пропорциональные характеристики.

♦ Пропорциями называются размерные соотношения элементов или частей формы между собой, а также между различными объектами.

Открытие пропорций, полагают, принадлежит к заслугам древневосточной математики, античная же традиция связывает его с именем выдающегося философа и математика Пифагора, жившего в VI веке до н. э. Универсальный принцип гармонии и красоты в пропорциях получил название «золотое сечение», которое олицетворяло равновесие знания, чувств и силы. Золотое сечение возникает при делении отрезка на две неравные части таким образом, при котором весь отрезок относится к большей его части, как большая к меньшей (0,618).

Знакомство с золотым сечением сыграло немалую роль в работе античных архитекторов, скульпторов и живописцев. Обучающимся рисунку будет интересно узнать правило, наглядно прослеживающееся в древнегреческих статуях: при делении туловища человека в соответствии с золотым сечением легко найти уровень пупа и локтя, при повторном делении двух отрезков в противоположных направлениях определяется высота колена и нижний уровень шеи.

Теоретически принцип золотого сечения был сформулирован в эпоху Возрождения. Леонардо да Винчи, изучавший и глубоко анализировавший опыт древних, разрабатывая правила изображения человеческой фигуры, пытался на основе литературных сведений восстановить так называемый «квадрат древних». Он выполнил рисунок, в котором показана пропорциональная закономерность в соотношении частей тела человека.

   Леонардо да Винчи. «Квадрат древних»

Пропорции всякого живого организма, развиваясь, изменяются. Пропорции маленького ребенка сильно отличаются от пропорций взрослого человека. У взрослого размер головы занимает примерно 1/7 или 1/8 часть всего его роста, а у ребенка четырех-пяти лет – 1/4 или 1/5 часть.

У подростков величина головы примерно шесть раз укладывается в длине тела.

Соотношение частей тела у ребенка,
подростка и взрослого человека

У каждого человека свои характерные пропорции.

Форму и движения тела человека во многом определяет скелет. Он также играет роль каркаса в строении фигуры.

ВИДЕО КАК нарисовать ЧЕЛОВЕКА (Пропорции ТЕЛА и ГОЛОВЫ)

Домашнее задание: 

1. Нарисовать соотношение частей тела у ребенка, подростка и взрослого человека на альбомном листе. Или (продвинутый уровень) -
- нарисовать рис. человека по видео выше.
2. Прислать рис. в группу в ВК. 
3. Срок - до следующего урока.

Уроки 3–4

КРАСОТА ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА В ДВИЖЕНИИ.

Урок 3

На прошлых занятиях мы говорили о поиске пропорций в изображении фигуры человека, говорили о представлениях красоты человеческой фигуры.

В отличие от живописцев и графиков, скульптуры выражают свое понимание красоты через объем. Они видят красоту человека в его пропорциях, характере форм, движении, пластике.

– Рассмотрите каждую скульптуру, подумайте, какое название вы бы ей дали. Какими средствами выражения пользовались художники для передачи красоты человеческой фигуры?

Скульптору Мартосу удалось передать волнующее душу движение плавных, размеренных складок на одежде женщины, запечатленной в склонившейся позе. Перетекание пластических форм вызывает ощущение застывших в мраморе минорных звуков. Образ наполнен чувством скорби и печали, располагает к размышлениям о жизни.

Скульптура «Скорчившийся мальчик» Микеланджело (ок. 1524 г.) полна скрытой энергии и силы. Фигура повторяет монолит мраморного блока. Известно утверждение мастера о том, что скульптура должна быть выполнена так, чтобы после падения она не разбилась. Именно такой пластической цельностью обладает скульптура «Скорчившийся мальчик».

Стремительным порывом, целеустремленностью наделен образ «Борея» В. И. Мухиной (1938 г.)

Художница использовала для проекта памятника «Спасение челюскинцев» образ греческого божества – северного ветра, изображенного в виде крылатого мужчины.

 «Борей» В. И. Мухиной (1938 г.)

Его полет – это борьба со встречным ветром, встающими на его пути преградами, преодоление которых под стать только сильным людям. Поверхность монумента шероховата, фактура усиливает ощущение противостояния сил человека и природы.

Рассматривая эти три произведения, можно заметить, как различно передано движение: тихо, словно струящийся ручеек, в работе Мартоса, напряженно, энергично в работе Микеланджело и экспрессивно-динамично в образе «Борея» Мухиной.

– Обратите внимание, какие у людей разные фигуры, но строение фигуры у всех сходное. Середина ее находится там, где соединяются туловище и ноги; в этом месте фигура может сгибаться. Опущенные руки оканчиваются чуть ниже середины фигуры.

Такие веселые человечки, нарисованные с помощью овалов, тоже помогают передать разнообразные движения.

Домашнее задание: нарисовать человечка в полный рост на альбомном листе. 

Уроки 6–7

НАБРОСОК ФИГУРЫ ЧЕЛОВЕКА С 

НАТУРЫ

Цели урока

Создать условия для формирования умения видеть пропорции и  соотносить детали между собой; способствовать расширению знаний  учащихся о задачах и приемах образного обобщения сложной формы, развитию творческой активности

Образовательные ресурсы

Ÿ Википедия. Свободная энциклопедия. – Режим доступа: http://ru.wikipedia.org/wiki Ÿ Русская живопись. – Режим доступа : http://www.artsait.ru Ÿ Федеральный центр информационно-образовательных ресурсов.  Каталог электронных образовательных ресурсов. – Режим доступа: http://fcior.edu.ru

Набросок является средством выражения первоначального впечатления от восприятия натуры. Полезно рисовать на улице, в учреждениях, в гостях. Помимо накопления впечатлений, такое рисование развивает умение «видеть» действительность, подмечать характерные особенности предметов, явлений.

 Давайте посмотрим наброски известных мастеров: И. Е. 

Репина <рисунок 1, 2> и В. А. Серова <рисунок 3, 4>.

 

                

Рисунок 3

Рисунок 4

А какими художественными материалами можно выполнять наброски? (Возможные ответы: карандашом, углем, акварелью, гуашью, пером, тушью, фломастером.)

Чтобы правильно выполнить рисунок нам с вами необходимо провести анализ конструктивно-анатомического строения натуры и пропорциональных отношений частей тела. Нам помогут методические таблицы:

                          

Динамическая модель

Каркас фигуры

1) Учитель приглашает одного из учеников (мальчика) в качестве модели для позирования.

Основой формы туловища служат позвоночник и грудная клетка. К туловищу с помощью плечевого пояса присоединяются кости рук. С помощью тазового пояса к туловищу присоединяется скелет ног, состоящий из бедра, голени и стопы.

При определении пропорций используют единицу меры, равной высоте головы. В нашем случае голова укладывается во всей фигуре приблизительно 6-7 раз.

2) Учитель демонстрирует последовательность выполнения рисунка фигуры.

 3. Определяем общее расположение на плоскости листа бумаги. Проводим линию, определяющую движение фигуры, ее характер. На ней отмечаем основные пропорциональные отношения головы, шеи, груди, таза, рук, ног. Далее прорисовываем очертания всех основных частей фигуры школьника.

4) Обсуждение выполненных рисунков. Отмечаем наиболее выразительные, точные рисунки. Уделяем внимание недостаткам, погрешностям. Учитель дает пожелания и рекомендации ученикам относительно ведения работы над наброском

5) Домашнее  задание: выполнить наброски с натуры родственников, изучить пропорции фигуры человека.

II  ЧЕТВЕРТЬ

"ПОЭЗИЯ ПОВСЕДНЕВНОСТИ"

Урок 9

ТЕМАТИЧЕСКАЯ (СЮЖЕТНАЯ) КАРТИНА

Цели:

1. Сформировать представление о тематической (сюжетной) картине, ее видах.

2. Подвести учащихся к пониманию особенностей жанра через повторение и обобщение.

3. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и искусству.

4. Развивать ассоциативно-образное мышление, творческую и познавательную активность.

Оборудование и материалы:

1. Подбор иллюстраций и репродукций различных жанров.

2. Художественные материалы для практической работы.

3. Словарь художественных терминов.

ПЛАН УРОКА

1. Беседа о понятии жанр с проверкой и закреплением знаний учащихся.

2. Ознакомительная беседа о тематической (сюжетной) картине, ее видах, с демонстрацией иллюстраций.

3. Постановка художественной задачи.

4. Практическое выполнение задания.

5. Подведение итогов и анализ работ.

Ход урока

– На уроках в прошлой четверти речь шла о роли изобразительного искусства в жизни человека и о том, что является главной темой в нем. Человек. Да, искусство главным образом говорит о человеке, о его достижениях, мыслях, о его жизни. Изобразительное искусство говорит об этом на языке различных жанров: уже знакомых вам и тех, о которых вам еще предстоит узнать.

Уроки этой четверти – об истории и развитии сюжетной картины и, в частности, ее особого типа – бытового жанра.

– Вспомните, какие виды изобразительного искусства вы знаете.

Изобразительное искусство делится на пять видов:
 архитектура, скульптура, графика, живопись, ДПИ. 
Каждый из этих пяти видов искусства делится на жанры. 

Ярче всего это деление проявляется в живописи и графике.

Что же такое жанры в изобразительном искусстве?

Художники пишут разные картины. На одних мы видим природу, на других – людей, третьи рассказывают о самых повседневных, обыденных вещах. И вот по содержанию картин их стали делить на жанры: изображение природы – пейзаж, вещей – натюрморт, человека – портрет, событий жизни – сюжетно-тематическая картина.

В свою очередь каждый из жанров имеет свои подразделения – жанровые разновидности. Так, пейзаж может быть сельский, городской, индустриальный. А художники, изображающие море, называются маринистами. В жанре портрета тоже есть разновидности – портрет парадный, интимный, групповой. Жанровые разновидности сюжетно-тематической картины – историческая, батальная, бытовая картины.

А теперь выберите из картин, представленных на доске те, жанр которых вам знаком.

Жанры в изобразительном искусстве:

1) Анималистический жанр.

2) Портрет – парадный, интимный, групповой.

3) Пейзаж – сельский, городской, архитектурный, индустриальный, героический.

4) Натюрморт – цветочный, со снедью, бытовые вещи, атрибуты спорта и искусства.

5) Сюжетно-тематическая картина: историческая, батальная, бытовая,  сказочно-былинная.

В. И. Суриков. "Утро стрелецкой казни".  ОПИСАНИЕ КАРТИНЫ.

Видео:

1. «Утро стрелецкой казни, Суриков - обзор картины»

https://youtu.be/gLbjJvhlsmU

2. Василий Суриков "Утро стрелецкой казни".

https://youtu.be/TYbkZNaafyA

В. И. Суриков "Переход Суворова через Альпы в 1799 году".   
ОПИСАНИЕ КАРТИНЫ.

К. Брюллов «Последний день Помпеи».  ОПИСАНИЕ КАРТИНЫ.

Каков сюжет представленных живописных работ? Учащиеся стараются определить сюжет, рассуждая, о чем эта картина. – Итак, какие же сюжеты может иметь тематическая картина? Исторический – ему принадлежит особое место. Этот жанр включает произведения на тему большого общественного звучания, отражающие значительные для истории народа события. Какие картины с историческим сюжетом вам знакомы? Попробуйте вспомнить автора. (В. И. Суриков «Утро стрелецкой казни», «Переход Суворова через Альпы», К. Брюллов «Последний день Помпеи» и др.) Однако не обязательно произведение должно быть посвящено минувшему: это могут быть какие-либо важные события наших дней, имеющие большое историческое значение. (Такими  картинами могут считаться произведения художников 60–70-х годов, посвященные покорению космоса и т. п.) Батальный жанр (от франц. bataille – битва) – посвящен темам войны, битв, походов и эпизодов военной жизни. Он может быть составной частью исторического и мифологического жанра, а также изображать современную жизнь армии и флота. Иллюстрируя понятия этого жанра, учитель демонстрирует произведения Тициана, Н. Пуссена, А. Ватто, Ф. Гойя, Г. Жерипо, а также В. Верещагина, М. Грекова и др. – Попробуйте самостоятельно дать определение сказочно-былинному и религиозно-мифологическому жанрам, расскажите о них и приведите примеры. Учащиеся дают определение сказочно-былинному жанру, вспоминая произведения В. М. Васнецова «Богатыри», «Витязь на распутье», «Иван-царевич на сером волке» и др. Учитель дополняет представленный ими ряд картиной М. Врубеля «Царевна Лебедь», «Демон» и др. При разговоре о религиозно-мифологическом жанре демонстрируются картины С. Боттичелли, Джорджоне, Рафаэля, Н. Пуссена, П. Рубенса, Рембрандта, Д. Веласкеса, Ж.-П. Давида, Ж.-Д. Энгра, А. Лосенко, А. Иванова. – Понятие бытового жанра формируется в европейском искусстве нового времени. Его родиной считается Голландия XVII века. В наше время это один из наиболее распространенных жанров изобразительного искусства, хотя еще в первой половине XIX века, он считался низшим, недостойным внимания художника. Часто произведения на бытовые сюжеты называют жанровыми, или относящимися к жанровой живописи (от франц. benre род. вид). К бытовому жанру относятся картины, рисунки, скульптуры, рассказывающие о событиях повседневной жизни. Об этом жанре мы подробнее поговорим на следующем занятии на примере знакомства с творчеством «малых голландцев». Я предлагаю вам выполнить поисковую творческую работу (индивидуальную или групповую) на тему «Что я знаю о малых голландцах?». А сейчас попробуйте выполнить зарисовки для будущей картины в любом из жанров. Дома доделайте работу и назовите ее. Домашнее задание (на доске): подготовиться к уроку-конференции «Что я знаю о "малых голландцах"?». Выполнить творческую работу (сообщение-реферат) с подбором иллюстративного материала на любую из предложенных тем: 1. История возникновения голландской живописи. 2. Голландия – родина жанровой живописи. Почему? 3. Творчество П. Брейгеля и др. Урок 10 ЖИЗНЬ КАЖДОГО ДНЯ –  БОЛЬШАЯ ТЕМА В ИСКУССТВЕ. ЧТО Я ЗНАЮ О «МАЛЫХ ГОЛЛАНДЦАХ» (урок-конференция) Цели: 1. Сформировать представление о голландской живописи, Голландии как родине бытового жанра, голландских художниках и их картинах. 2. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру, любовь к искусству, интерес к его истории. 3. Развивать творческое отношение к выполнению задания, навыки публичного индивидуального и коллективного выступления. Оборудование и материалы: 1. Список литературы для поисковой работы. 2. Творческие работы учащихся. 3. Репродукции картин голландских художников. ПЛАН урока 1. Беседа о возникновении бытового жанра, его традициях, ярких представителях в области художественного творчества. 2. Выступление учащихся с результатами поисковой работы (индивидуальной или коллективной), с демонстрацией работ голландских художников. 3. Подведение итогов занятия и сообщение домашнего задания. Сегодня мы поговорим о голландской живописи, о ее месте и роли в мировом искусстве. Мы познакомимся с именами знаменитых художников и их картинами. Знакомиться с творчеством этих художников мы будем на примере возникновения и развития лишь одного жанра – бытового, родиной которого и принято считать Голландию. Творческие работы учащихся: Малые голландцы обобщенное название голландских художников, мастеров бытового, пейзажного жанра и натюрморта, ярко выразивших национальное своеобразие национальной живописи этого времени. Термин получил распространение во французской литературе об искусстве. В эстетике XVII–XVIII вв. (Фелибьен, Дидро) подразумевал интерес художников к «малым» (низким) темам из повседневной жизни в противоположность искусству «большого» стиля на «высокие» – исторические и мифологические сюжеты, а также небольшой, «кабинетный» формат картин. В XIX веке им пользовался Т. Торе (У. Бюргер). Новаторские достижения «малых голландцев» – обращение к отображению в картинах реального окружающего мира и человека без подведения под определенный идеал; сложение развитой и очень дифференцированной системы жанров; разработка системы тональной живописи. Творчество художников в основном соответствует трем основным этапам развития голландского искусства: 1) 1620–30-е гг. – утверждение реализма в национальной живописи; 2) 1640–60-е гг. – расцвет художественной школы; 3) 1670-е гг.– начало XVIII века – упадок искусства Голландии. На первом этапе ведущим художественным центром был Харлем, важным фактором являлось влияние Ф. Халса. На втором – центр искусств перемещается в Амстердам, привлекающий художников из других городов, актуальным становится влияние Рембрандта и Яна Вермера. Бытовой жанр – самое яркое и самобытное явление голландской школы, открывшее для мирового искусства поэзию повседневной жизни человека. Сложился в 1720–30-х гг. сразу в двух разновидностях – крестьянский и бюргерский (городской) жанр. Первый развивали А. ван Остаде и его школа: И. ван Остаде, И. Ауденрогге, К. Бега, К. Дюсарт. Ранние работы А. Остаде (изображались игры в карты, ссоры и драки в трактире) отличает динамичный, брутальный характер. В середине XVII века он пишет картины более мирного, спокойного характера: крестьян, беседующих за трубкой и кружкой пива в кабачке, дома, в кругу семьи, на ярмарке. Под влиянием Рембрандта главным выразительным средством становится мягкая золотистая светотень. Бюргерский жанр на первом этапе представлен веселыми жизнерадостными картинами из жизни золотой молодежи и офицеров, проводящих время в тавернах или гостиных за игрой в трик-трак, домашними концертами (Д. Халс, Ю. Лейстер, Я. М. Моленар, А. Паламедес, П. Кодде, В. Дейстер). В середине XVII века Г. Доу и Ф. ван Мирис Старший, представители лейденской школы миниатюрной техники письма, отличающейся обилием и тонкостью исполнения деталей и гладкой эмалевой поверхностью, изображая визит врача, ученого за занятиями, посещение мастерской художника, домашние хлопоты или светские развлечения бюргеров, тяготеют к занимательному рассказу. Еще сильнее повествовательное начало с оттенком дидактики и гротеска выражено в шумных сценах из жизни простолюдинов у Я. Стена. Художники другого направления поэтизируют повседневность. В сценах музицирования, галантного ухаживания у Г. Терборха действие замедлено, разговоры приглушены, в комнатах царят тишина и покой. Г. метсю ярким светом и насыщенными красками придает будничным сценам праздничный характер. П. де Хох проникновеннее других воплотил неторопливость, упорядоченность и уют семейной жизни голландского бюргера. Рассеянный дневной свет, заливающий интерьер (живописная тема, почерпнутая у Вермера), придает картинам художника поэтическое настроение. У жанровых живописцев позднего периода: А. Ван дер Верфа, Э. Ван дер Мера – стремление к элегантности нередко оборачивается претенциозностью. Праздничный быт щеголеватых кавалеров и дам на этих полотнах полон иносказательных деталей – дань старонидерландской традиции. Чаще всего здесь скрываются прописные истины бюргерской морали. Так, ваза со льдом, в которой охлаждают вино, символизирует умеренность; обезьянка – дьявола, подстерегающего беззаботных гуляк. Географическая карта на стене придает домашней сценке «всемирный» масштаб. В 40–60-х гг., в пору расцвета творчества Рембрандта, самым знаменитым живописцем в Голландии был его ученик Герард Доу (1613–1675) из Лейдена. В отличие от своего учителя он умел и любил нравиться публике. Всё его наследие состоит из однотипных, безукоризненно написанных сценок, обычно открывающихся зрителю в проёме большого окна. Земляком Рембрандта был и Ян Стен (около 1626–1679), помимо занятий живописью содержащий трактир. Большинство его полотен беспорядочно заполнено множеством предметов, как будто художник боится пустоты. Весьма популярный художник Адриан ван Остаде (1610–1685) из Харлема, ученик Франса Халса, разрабатывал «крестьянский жанр». Он изображал мир деревни с благодушной чувствительностью заезжего горожанина. Этому настроению соответствует и колорит его картин: пёстрые, мягкие краски словно прогреты приветливым майским солнцем. Если в начале XVII в. бытовые картины традиционно были многофигурными, пронизанными действием, то со временем художников стали привлекать более скромные сюжеты. Они старались прочувствовать поэзию повседневности в любом неброском эпизоде. Таковы произведения Габриеля Метсю (1629–1667). Творчество Герарда Терборха (1617–1681) отличается особой изысканностью. Его мир – аристократические салоны с занавешенными окнами, а герои – бледные, церемонные кавалеры и нежные дамы в атласных нарядах, как в картине «Бокал лимонада» (около 1664 г.). Они пишут и читают письма, музицируют, мужчины учтиво ухаживают за дамами. В 1581 г. жители Северных Нидерландов после многолетней войны за освобождение из-под власти Испании провозгласили независимую Республику Соединенных провинций. Среди них в хозяйственном и культурном отношении лидировала Голландия, поэтому так вскоре стали называть и всю страну. общественное устройство новых Нидерландов мало изменилась в сравнении с XVI в., но в духовной жизни произошли значительные изменения. Государственной религией стал кальвинизм. Это вероучение не признавало школ и вообще церковного искусства. Стремление к натурализму дало Нидерландам возможность довести до удивительной степи совершенства портрет. В сущности и остальные роды их живописи – пейзаж и жанр – остаются теми же портретами. Те приятные комбинации, которые дают в рисунке голландские города, дозволили пейзажеписцу воспроизводить непосредственно с фотографической точностью портреты, улицы и здания. Художнику не надо было подчиняться требованиям церковной живописи или делать по желанию короля аллегорические изображения. Это было искусство свободное и республиканское. Первыми картинами голландской школы были работы Хуберта Ян ван Эйка и его брата Лоана ван Эйка. Пристрастие к классицизму сказывается в иных желаниях написать античные фигуры и драпировки. Голландским художникам пришлось поневоле отказаться от религиозных тем и искать новые. Они обратились к окружающей их действительности, будничным событиям, происходящим изо дня в день в комнате или на улице. Заказчики, чаще всего не вельможи, а малообразованные бюргеры, больше всего ценили произведения искусства за то, что они совсем как живые. Картины стали рыночным товаром, и благосостояние художника всецело зависело от умения угодить заказчику.     Ян вермер. Девушка с письмом.     Около 1657 г.     (Картинная галерея. Дрезден). ОПИСАНИЕ Ян вермер. Служанка с кувшином молока. (около 1658 г.) (Риксмузей. Амстердам).   ОПИСАНИЕ.      Ян вермер. Любовное письмо. (Около 1667 г.).    Описание (Риксмузей. Амстердам). Ян Вермер и делфтская школа живописи Особую роль в художественной жизни Голландии второй половины XVII века играл Делфт – небольшой город, прославившийся производством фаянса, стекла, ковров и декоративных тканей. Здесь сложилась и самобытная школа живописи, традиционной темой которой был интерьер. В этом жанре работали Эмманюэл де Витте (1616, 1618–1692) и Питер де Хох (1629 – около 1685). Эмманюэл де Витте, переселившийся в Делфт в 1642 году, писал интерьеры церквей: иногда с натуры («Интерьер Новой церкви в Делфте с гробницей Вильгельма Оранского», 1656), часто – воображаемые («Интерьер церкви», 1668 г.). В этих фантастических видах храмов мощные формы выбеленных сводов и столбов образуют единое величавое пространство. Питер де Хох изображал скромный уют бюргерского дома. Пребывание этого художника в Делфте совпадает с расцветом его творчества (конец 50-х начало 60-х годов XVII века). В ясных и гармоничных интерьерах де Хоха открытые окна или двери уводят зрителя в мир улицы или во внутренние покои дома («Мать у колыбели», 1658–1662 гг.; «Служанка с ребенком во дворике», 1658 г.; «Хозяйка и служанка», около 1660 г.) Около 1650 года в Делфт приехал Карел Фабрициус, ученик Рембрандта. Склонность к смелым творческим экспериментам проявилась в его картине «Продавец музыкальных инструментов» (1652 г.). Зрителя поражают необычное изображение пространства, странное соотношение величин: на первом – огромная виолончель, лежащая на прилавке; в удалении – маленькая фигурка продавца. Фоном служит вполне конкретный, не изменившийся и сегодня уголок Делфта. Крупнейшим мастером делфтской школы был Ян Вермер (1632–1675 гг.). Его отец занимался шелкоткачеством, торговал произведениями искусства, а позже стал владельцем гостиницы. Торговлю картинами и гостиницу он передал по наследству сыну. В 1653 г. Вермер вступил в городскую гильдию Святого Луки, где впоследствии избирался неоднократно на почетные должности. Художник написал около сорока картин. В композиции «Девушка с письмом» (около 1657 г.) художник изобразил свет весеннего дня, льющийся из открытого окна в глубине композиции, девушка серьезна и строга. Почти неуловимые движения ресниц и губ выдают скрытое беспокойство. Хрупкий, точеный профиль девушки особенно красив в потоках света, на фоне белой стены, по которой пробегают легкие перламутровые тени. На картине «Служанка с кувшином молока» (около 1658 г.) молодая женщина с непримечательным, свежим лицом не единственная героиня. Густое молоко, сбегающее тонкой струйкой из глиняного кувшина, ноздреватый каравай в плетеной корзине, салфетка, сползающая со стола, торфяная грелка для ног на полу выписаны во всех деталях, с особой выразительностью. Вермер писал тонкой кистью, густыми но мягкими красками. Он тщательно клал мелкие, плотные мазки, а завершал работу легкими, почти незаметными касаниями кисти, которые придавали неповторимую живость резким линиям и четким формам его произведений. Цвета у Вермера сильные, насыщенные; на первый взгляд кажется, что он не смешивал краски. Но в каждом желтом, синем или белом пятне скрываются десятки, сотни различных оттенков. Порой композиции Вермера сложны. Так, на полотне «Любовное письмо» (около 1667 г.) на первом плане в полутьме стоят домашние туфли и половая щетка, а действие разворачивается на втором плане: в освещенной комнате заплаканная дама с мандолиной в руках вопросительно смотрит на румяную, улыбчивую служанку, подавшую ей письмо. На стене висит изображение Амура, божества любви, управляющего кораблем среди бурного моря, – аллегория трагических превратностей отношений между любящими. Искусство голландских мастеров XVII века, заметно повлияло на европейскую живопись. Они оказались достойными гордых слов лейденского художника Филипса Ван Ангела, с которыми тот обратился к собратьям по творчеству в торжественной речи 18 октября 1641 г., в день Святого Луки (профессиональный праздник живописцев): «Принесем же себя со всеми великими умами на алтарь бессмертия, и пусть наши имена станут примером для потомков». Заключение. Я думаю, что разговор о голландской живописи получился очень интересным, познавательным, и вам будет любопытно узнать, как эти художники проявляли себя в других жанрах. В чем, например, своеобразие голландских натюрмортов и пейзажей. Дерзайте. Домашнее задание: к следующему уроку поищите материал о том, как возник и развивался бытовой жанр в русском искусстве. Знакомиться с ним мы будем на примере творчества художников: А. Венецианова, П. Федотова и «передвижников». Урок 11 ВОЗНИКНОВЕНИЕ И РАЗВИТИЕ БЫТОВОГО ЖАНРА В РУССКОМ ИСКУССТВЕ. РОДОНАЧАЛЬНИКИ ЖАНРОВОЙ ЖИВОПИСИ В РОССИИ: А. ВЕНЕЦИАНОВ И П. ФЕДОТОВ Цели: 1. Познакомить учащихся с творчеством русских художников: А. Венецианова и П. Федотова. 2. Воспитывать любовь к России и ее национальному искусству. 3. Развивать интерес к истории изобразительного искусства России, творческую активность и мышление, а также навыки публичных выступлений. Оборудование и материалы: 1. Материалы для проведения поисковой работы. 2. Творческие работы учащихся. 3. Репродукции картин П. Федотова и А. Венецианова. – На прошлом уроке мы говорили о возникновении и развитии бытового жанра на примере знакомства с творчеством «малых голландцев». Сегодня мы познакомимся с историей развития этого жанра в России, обратившись к творчеству русских художников: А. Венецианова и П. Федотова. История развития бытового жанра в России. Творчество А. Г. Венецианова. Происходивший из небогатой московской купеческой семьи, он первоначально вынужден был совмещать любительские занятия искусством со службой. Знакомство с В. Л. Боровиковским и обучение у него дали возможность художнику приобрести уверенность в своих творческих возможностях. В 1811 году ему уже удалось добиться звания академика, а в период Отечественной войны 1812 года завоевать популярность серией сатирических листов, высмеивавших галломанию – низкопоклонство русских бар перед заезжими авантюристами-иностранцами. В начале двадцатых годов мастер перешел к жанровой живописи, и те элементы бытовой картины, которые лишь наблюдались у Тропинина, приобрели у него характер системы. Живописец воспел работу земледельца, почитавшуюся «низкой», «черной», с точки зрения господствующего класса. Центральный образ его наиболее значительного произведения «На пашне. Весна» (1820-е годы) – молодая крестьянка, ведущая пару коней, запряженных в борону, Венецианову хотелось рассказать о начале полевых работ как о радостном, долгожданном событии крестьянской жизни. Добиваясь настроения праздничности, мастер для этого, вероятно, «принарядил» героиню в розовый сарафан и кокошник. Правда, такая одежда усиливает поэтизированность образа крестьянки. Сарафан напоминает античное платье с высокой талией, кокошник – диадему. Это впечатление усугубляет и легкий, «танцующий» шаг фигуры. Героиня картины выглядит ожившей статуей богины Флоры, совершающей свое триумфальное шествие по весенней земле. Красивости впечатления способствует и унаследованное Венециановым от Боровиковского тяготение к гамме разбеленных, высветленных тонов. Идилличность сохраняется во многих, в том числе и поздних, работах Венецианова. В этом смысле показательна своеобразная галерея крестьянских типов, созданная художником. Он ищет в своих героях прежде всего умиротворенности, душевной цельности и чистоты. Впрочем, общая линия утверждения духовной красоты «низшего» сословия отвечала передовым настроениям времени. Она была порождена эпохой Отечественной войны 1812 года, раскрывшей высокие моральные качества простого человека, доблестно боровшегося за свободу родины. И не случайно в адрес живописца было сделано брюзгливое замечание «Журналом изящных искусств», субсидируемым Александром I, о том, что крестьянин не может служить «пленительной моделью». Однако не только эти стороны художественной деятельности Венецианова надо иметь в виду, определяя его место в истории русской живописи. В пейзажных фонах своих полотен он вплотную подошел к проблеме национального реалистического пейзажа. В упоминавшемся произведении «На пашне. Весна» мастер впервые в живописи показал безыскусственную прелесть скромной русской природы. Отметив заслуги Венецианова-живописца, необходимо по достоинству оценить его педагогический труд. Им была создана в приобретенном для своей семьи небольшом имении Сафонково Тверской губернии художественная школа, где обучались крепостные мастера, допускавшиеся в Академию художеств лишь на правах «стороннего ученика» и по ходатайству влиятельных лиц. Венецианов отвергал академические принципы, согласно которым первая ступень обучения включала копирование с гравюр (так называемых оригиналов), вторая – рисование с памятников античной скульптуры. Венецианов требовал начинать с натюрморта, сразу прививая чувство реальной формы и цвета. Затем следовала работа над интерьером, позволявшая практически освоить законы перспективы. После овладения натюрмортом и интерьером шла живопись вне закрытого помещения как заключительная стадия учебного процесса. Подобная педагогическая система постоянно ориентировала учеников на постижение натурного материала. Всего через школу Венецианова прошло свыше 70 молодых живописцев, причем среди наиболее способных оказались Н. С. Крылов, А. В. Тыранов, А. А. Алексеев, Е. Ф. Крендовский, А. Г. Денисов, Л. К. Плахов, С. К. Зарянко, Г. В. Сорока. Творчество П. А. Федотова. Половина его короткой жизни оказалась затраченной на военную службу. Художественное образование ему пришлось получать на правах вольнослушателя, посещавшего вечерние классы Академии художеств. Только спустя два года после выхода в отставку он смог исполнить свое первое значительное произведение «Свежий кавалер, или Утро чиновника, получившего первый крестик» (1846). Полотно изображает канцеляриста, отмечавшего накануне вечером бурной пирушкой награждение орденом Станислава III степени (кстати, низшим из орденов империи) и теперь безудержно бахвалящегося перед сожительницей, развязной служанкой. Последняя же в ответ на браваду насмешливо протягивает дырявый сапог – уж не собирается ли барин починить свою стоптанную обувь на серебро нацепленной побрякушки? Даже при известной еще скованности живописного мастерства, которая обнаруживает себя в относительно мало разработанной коричнево-охристой цветовой гамме, произведение захватывает зрителя остротой разоблачения ничтожности жизненных устремлений людей, входивших, как-никак, в аппарат управления необъятной России.   Вторая, основная для Федотова, – картина «Сватовство майора» (1848) воссоздает эпизод из купеческой жизни. Осуществляется заветная мечта толстосума – приобщение к дворянскому сословию. В дверях гостиной бывшего барского особняка, приобретенного купчиной, появляется наконец будущий зять-дворянин. Брачный союз скрепит союз двух сословий. Содержание событий мгновенно угадывается зрителем. Едва только взглянув на полотно, он останавливается, на светлом силуэте фигуры купеческой дочери, вырисовывающейся на общем приглушенном темном фоне помещения. Ее попытка ускользнуть в соседнюю комнату сразу же разгадывается как кокетство. Поскольку поведение невесты понятно с первого взгляда, смотрящий переходит от центра ко второму выделенному освещением элементу композиции – проему двери, залитой светом передней, в которой темнеет фигура майора. Бравый служака с его горделивой осанкой смотрится как существо иного, «высшего» по отношению к купеческому миру порядка. Но «благородство происхождения» отнюдь не мешает ему принять законы чистогана, выдвинутые новым социальным слоем, когда все и вся объявляется товаром. Для майора служит товаром его титул, а для купца – приданое дочери. При всем внешнем высокомерии, майор не покидает купеческое «темное» царство, а входит в него. Это подчеркивается колористической взаимосвязью фигур жениха  и невесты (светло-розовое пятно платья декоративно сочетается с зеленой окраской стены передней и темно-зеленого мундира, ибо при внешней контрастности они составляют так называемые дополнительные по отношению друг к другу тона). Потому-то взгляд зрителя от фигуры майора вновь возвращается к купеческой дочери – к центру. Цветовая взаимосвязь розовых тонов в наряде девушки и сиреневых переливов в уборе матери заставляет внимательнее всмотреться в купчиху, схватившую дочь за юбку. Нарядность одежды не скрывает прямолинейности ее натуры (по округлым очертаниям рта можно заметить – она кричит: «Дура!»). Примитивная прямолинейность обнаруживает себя и в главе семьи. Расплываясь в угодливой, довольной улыбке, он спешит навстречу долгожданному гостю. Поправка обстоятельств А извольте посмотреть, Как наша невеста Не найдет сдуру места: «Мужчина! чужой! Ой, срам-то какой! Никогда с ним я не бывала; Коль и придут бывало, Мать тотчас же на ушко: «Тебе, девушке, здесь не пристало!» Век в светелке своей я высокой Прожила, проспала одинокой; Кружева лишь плела к полотенцам! И все в доме чтут меня младенцем! Гость замолвил, чай, речь... Ай-ай-ай, стыд какой!.. И тут нечем скрыть плечи: Шарф сквозистый такой, Все насквозь на виду!.. Нет, в светлицу уйду!» И вот извольте посмотреть, Как наша пташка собирается улететь; А умная мать За платье ее хвать! И вот извольте посмотреть, Как в другой горнице Грозит ястреб горлице, Как майор толстый, бравый, Карман дырявый, Крутит ус! «Я, дескать, до денежек доберусь!» Стихотворение, которое П. А. Федотов сочинил и сам исполнял перед зрителями картины «Сватовство майора». Картина продолжает критическую линию, определившую дарование Федотова, однако два года, отделяющие «Сватовство майора» от «Свежего кавалера», принесли не один лишь рост живописного мастерства. Облик персонажей первого произведения был окарикатурен в целях, как казалось мастеру, более резкого выделения идеи. Это касается не только образа кавалера, но и кухарки, с ее лоснящимся, будто жиром смазанным, неприятным лицом, воровато бегающими глазками, со вспучившейся на животе одеждой (деталью, обнаруживающей связь с хозяином, позволяющей держаться с последним на равных). С первого взгляда основные персонажи второй картины выглядят даже симпатичными. Майор подкупает молодечеством, выправкой, сохранившимися несмотря на возраст. Он – настоящая «военная косточка». Невеста же попросту миловидна. Она изображается почти как «перл создания», используя популярное литературное выражение середины XIX века. Отрицательные оценки даются не отдельным лицам, а жизненным правилам окружающей среды. Негативные выводы приходят к зрителю не в результате чего-то непосредственно воспринимаемого, а как плод размышлений, их итог. В данном пункте выступает несомненная связь искусства Федотова с моментами, свойственными литературе как виду художественного отображения мира. Действительно, творчество мастера стало соединительным звеном между литературой и живописью XIX века. Еще Крамской указал: «Федотов явился отражением литературы Гоголя»* (см. Примечание). Каждый день, прожитый человеком, оставляет в его душе свет. Из обычных дней складывается жизненный опыт людей, поэтому даже незаметные будни представляют для каждого человека ценность. В чем же красота этой жизни? Картина – взгляд художника на мир, она отражает связь человека с миром, отношение автора к действительности. Еще раз посмотрите на картины на доске. Все они о жизни, об обыкновенных людях и все они хотят нам с вами о чем-то рассказать и мы понимаем их, потому что это картины и о нас. Домашнее задание: познакомиться с творчеством художников, которые вошли в историю искусства под именем «передвижники». Урок 13 ПРОСМОТР ВИДЕОФИЛЬМА «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ» Цели: 1. Сформировать представление о Третьяковской галерее как первом музее русского искусства; музее с богатой коллекцией картин художников-передвижников. 2. Воспитывать любовь к Родине, интерес к русской культуре и ее истории. 3. Развивать ассоциативно-образное мышление, память, способность анализировать материал, сравнивать, строить аналогии. На прошлом занятии мы познакомились с творчеством художников-передвижников и узнали, что оно тесно связано с именем великого русского мецената П. М. Третьякова. – Что вам известно об этом? Учащиеся участвуют в беседе. – Важнейшей вехой в истории отечественных художественных музеев явилось основание в 1856 г. крупнейшего в мире музея русского искусства – Третьяковской галереи в Москве. Ее основатель – богатый московский купец П. М. Третьяков, увлекшись идеями русских просветителей, рассматривал свою коллекционерскую деятельность как национальное дело и создал общедоступный музей произведений русских художников, преимущественно демократического направления (передвижников). Третьяковская галерея оказала огромное воздействие на развитие русского реалистического искусства и сыграла выдающуюся общественно-воспитательную роль.   Сегодня мы с вами будем смотреть фильм «Третьяковская галерея», авторы дали ему еще второе название «Дар бесценный». – Подумайте, почему? И во время просмотра фильма постарайтесь выполнить задание. (Задание записано на доске.) 1. Запишите название картин и имена их авторов. 2. Отметьте сразу, какие из картин вам уже знакомы. 3. Определите, какие жанры наиболее популярны. После просмотра фильма проводится обобщающая беседа, обсуждение и анализ собранного материала. Домашнее задание: подобрать материал для работы над сюжетной картиной «Из жизни моей семьи…» («Праздник в моей семье»; «Семейный отдых»; «Традиции моей семьи» и т. д.). Выполнить три – четыре наброска или зарисовки фигуры человека в различных позах и движениях. Материалы – карандаш, восковой мелок или уголь, шариковая ручка, фломастер. Лучше выполнить зарисовки тех предметов домашнего быта, которые, по замыслу автора, будут являться составной частью будущей композиции (стол, стулья, диваны, кровати и т. п.), если необходимо, сделать наброски домашних животных – кошек, собак, попугаев, аквариумных рыб и т. п. Возможны зарисовки интерьера, вида из окна или, наоборот, «взгляд» внутрь – в помещение детской комнаты, кухни, столовой и т. п. Передача "Музеи России". Эфир 12.07.2015. Первый образовательный канал. © Телекомпания СГУ ТВ Третьяковская галерея. Обзорный фильм. Игра "Музейный профессионал" ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ ЗА 3 ЧАСА    Семь тайн Третьковской галереи Уроки 14–15 СОЗДАНИЕ ТЕМАТИЧЕСКОЙ КАРТИНЫ «Жизнь моей семьи» Цель: Сформировать представление о сложном мире станковой картины. Задачи:  Познакомить с ролью сюжета в решении образа. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и любовь к искусству. Формировать навыки работы с художественными материалами в технике живописи. урок 14 – На прошлых уроках мы познакомились с творчеством художников-живописцев, работавших в бытовом жанре. Увидели, что картина – это итог длительных размышлений и наблюдений художника. Обратили внимание на то, какую роль играют живописно-пластические средства (композиция, ритм, свет, форма, цвет, пространство, фактура и т. д.) в решении образа. Говорили о двух сторонах процесса поиска образа картины – сборе материала и выполнении большого количества эскизов. Каждый художник по-своему видит и отражает окружающий его мир, стремится в своих картинах запечатлеть нечто для него значимое. Не случайно поэтому почти все художники в своем творчестве затрагивают тему семьи, материнства, детства, старости, проблему преемственности поколений. урок 15 Урок раскрывает проблему колористического построения пространства композиции, выполненной карандашом. В качестве зрительного ряда могут выступать произведения художников, которые были показаны на первом уроке, акцент в процессе восприятия делается на цвете как средстве художественной выразительности. Ученикам предлагается дать описание своей будущей работы, отвечая на такие вопросы: – какая по характеру будет работа, подбери эпитеты (веселая, озорная, игривая, задумчивая, беспечная, сонливая, печальная, серьезная, музыкальная и т. п.); – сопоставь общее настроение будущей композиции с цветовыми доминантами и цветами, дополняющими главные (например, композиция веселая, радостная, игривая, главный цвет желтый, вспомогательные красно-сине-голубые; композиция серьезная, немного задумчивая, созерцательная, главные цвета – серо-зеленые и белые, а вспомогательные – серо-красные, серо-голубые, нежно-розовые и т. п.). Этот разговор будет более интересным, если пройдет в игровой форме: свои слова дети будут сопровождать показом соответствующего цвета, набор цветной бумаги, составленный из различных цветовых оттенков (разбеленных цветов; различных серых цветов, смешанных с черным, и т. п.) тоже может быть использован в этой игре. Здесь важно наличие большого количества цветовых эталонов, что позволит ученикам сделать адекватный замыслу выбор, составить соответствующую комбинацию из цветов, выявляя гармоничные их сочетания. В дальнейшем семиклассники могут использовать сочиненный из цветовых карт абстрактный образ для построения цветового пространства своей композиции. На каникулы дается план поисковой работы на третью четверть. 1. Историческая тема в живописи. 2. Сказочно-былинный жанр и творчество художников И. Билибина и В. Васнецова. 3. Творчество В. И. Сурикова. 4. К. Брюллов и его картина «Последний день Помпеи». 5. Сюжет и содержание картины Рембрандта «Возвращение блудного сына». 6. Великие художественные музеи мира. 3 четверть "Великие темы жизни"  16 урок "Историческая тема в искусстве. Творчество В. И. Сурикова". 16 СИМВОЛОВ, ЗАШИФРОВАННЫХ В КАРТИНЕ «БОЯРЫНЯ МОРОЗОВА»  http://www.vokrugsveta.ru/article/214442/ «Отвлеченность и условность — это бичи искусства» ХУДОЖНИК Василий Иванович Суриков 1848 — Родился в Красноярске в казачьей семье. 1869–1875— Учился в Санкт-Петербургской академии художеств, где за особое внимание к композиции картин получил прозвище Композитор. 1877 — Поселился в Москве. 1878 — Женился на дворянке, наполовину француженке Елизавете Шаре. 1878–1881 — Писал картину «Утро стрелецкой казни». 1881 — Присоединился к Товариществу передвижных художественных выставок. 1883  — Создал полотно «Меншиков в Березове». 1883–1884  — Путешествовал по Европе. 1884–1887 — Работал над картиной «Боярыня Морозова». После участия в XV Передвижной выставке она была куплена Павлом Третьяковым для Третьяковской галереи.  1888 — Овдовел и переживал депрессию. 1891 — Вышел из кризиса, написал «Взятие снежного городка». 1916 — Скончался, похоронен в Москве на Ваганьковском кладбище. Фото: Diomedia (х2) Материал опубликован в журнале «Вокруг света» № 11, ноябрь 2014 ВИДЕО            Исторический жанр.mp4 Исторический жанр – это изображение событий истории.  «Боярыня Морозова» Василия Ивановича Сурикова представляет собой яркую иллюстрацию к неспокойному XVII веку. Царствует отец Петра I – Алексей Михайлович. В это время происходит раскол церкви. Патриарх Никон ввёл новые законы веры, велел переписать святые книги, иначе совершать крёстное знамение.       Сопротивление реформам в церковных обрядах выросло в движение раскольников, или старообрядцев, которые не приняли указы патриарха Никона и склонились к протопопуАввакуму, возглавившему раскол. Его сподвижницей стала боярыня Федосия Морозова. Ни тюрьма, ни пытки не сломили её дух.       Закованную в кандалах боярыню увозят в ссылку. С призывом поднимает она руку с двупёрстным раскольничьим крестным знамением, обращаясь к народу стоять за старую веру. Она уверена в собственной правде и встречает поддержку и сочувствие. Её неукротимая вера отражается во многих. Словно горячая волна сострадания и восхищения расходится на московской улице.       «Утро стрелецкой казни» рассказывает о раннем периоде царствования Петра I, когда страну сотрясал бунт стрельцов, которых восстановила против государя его сестра.       Исторический жанр часто переплетается с другими жанрами, например, с бытовыми, как в картине А.П. Рябушкина. Те же московские улицы XVII века, но не происходит ничего значительного. Мы как будто здесь оказались случайно, переместившись во времени и пространстве, благодаря художнику.       Историческое полотно может вбирать в себя и пейзаж, как на картине Васнецова «После побоища Игоря Святославича с половцами».       Былинные витязи отдали жизнь за землю русскую. И на этой земле, на широком поле, на траве-мураве васильками они упокоились.       Первой исторической картиной в мировом искусстве считается полотно великого испанского художника XVII столетия Диего Веласкеса «Сдача Бреды».       Здесь впервые изображено не мифологическое, а действительное событие в истории страны. Испания вела войну с Голландией.       Фрагмент правой стороны картины показывает стоящий испанский отряд. Мы видим регулярную армию - ровный строй и чёткие вертикальные ритмы копий (в Испании эту работу Веласкеса неофициально так и называют – «Копья»).       А слева стоят голландцы, простые горожане, взявшие оружие, поскольку они вынуждены отстаивать свою независимость. Один из защитников с обидой и досадой смотрит на зрителя. Он не может смириться с тем, что приходится сдавать крепость.       В центре комендант крепости сдаёт ключи от города. По обычаю ему следует опуститься на колени, но командующий испанским отрядом удерживает его от этого столь унизительного жеста. Как истинный рыцарь, проявляет уважение к противнику. Он даже сошёл с коня и снял шляпу, тем самым показывая своё расположение к побеждённым.  В России исторический жанр появился в XVIII веке в эпоху Петра Великого. Исторические полотна того времени были батальными сценами, которые запечатлели великие победы в Северной войне.       Собственно, первой русской исторической картиной принято считать работу А.И. Лосенко«Владимир и Рогнеда» («Владимир перед Рогнедой»).       Картина утверждала высокие принципы недавно открывшейся императорской Академии художеств. Исторический жанр в Академии почитался самым главным и важным в эпоху Просвещения. Назидательные, героические великие события занимали важнейшее место в искусстве.       Картина «Владимир и Рогнеда» относится к творчеству зрелого Лосенко. Более ранние его полотна, как требовали традиции, были посвящены библейским и евангелийским сюжетам. Но в сознании русских творческих людей той эпохи было сильное желание запечатлеть историю Государства Российского и в живописи, и в скульптуре, и в литературе, и на театральных подмостках.       Писатель и драматург А.П. Сумароков давал напутствие молодым студентам класса исторической живописи: «Первая должность в упражняющихся в сих хитростях (т.е. в искусстве) изображать истории своего отечества и лица великих в оном людей».       Сюжет картины «Владимир и Рогнеда» был утверждён советом профессоров Академии. История такова. Владимир отправляет к полоцкому князю Рогвольду сватов к дочери его – Рогнеде. Ответом был гордый и оскорбительный отказ. Владимир двинул на Полоцк войска, захватил город. В сражении были убиты Рогвальд и его сыновья. Победитель предстал перед Рогнедою.       Владимир просит прощения у Рогнеды, которая страдает и отвергает его извинения. Жесты и позы героев театральны. Это не случайно. Театр в XVII веке играл в обществе огромную роль. Лосенко приглашает позировать для Владимира выдающегося актёра Дмитриевского.       И Владимир и Рогнеда одеты далеко не в русские костюмы X века. Это некая стилизация одежды русской, польской и французской. Интерьер – не русские палаты. Видны античные полуколонны - пилоны. Плачущая служанка, стоящая за спиной Рогнеды напоминает классический античный профиль рельефов с изображением древнегреческих плакальщиц. И лишь стоящие за Владимиром несколько растерянные ратники действительно соответствуют русским типам.       Лосенко, согласно высоким идеям эпохи Просвещения, не мог написать полотно, представив Владимира грозным захватчиком и насильником. В XVIII веке в России интерес к собственной истории был велик, поэтому полотно А.И. Лосенко было встречено с горячим одобрением. Исторический жанр - История искусств вместе с Хрюшей      Развивающие мультфильмы Совы - художник Василий Суриков - Всемирная картинная галерея Академические программные картины крайне редко исполнялись на сюжеты действительной истории. Тем заметнее был триумф полотна «Последний день Помпеи» Карла Павловича Брюллова.       Получив золотую медаль при выпуске из Академии, Брюллов получает право на поездку в Италию – всемирный центр искусств, наследницу великой культуры античности, эпохи Возрождения, барокко.       Художник был свидетелем раскопок античного города Помпеи, который погиб в I веке н.э. при извержении вулкана Везувий.       Сюжет стал неслыханным для классицизма. Здесь не подвиг одного исключительного героя, которого окружают восхищённые зрители. Здесь герои все – народ, который в страшную минуту показал себя с лучшей благородной стороны.       Центр композиции занимает не выдающаяся личность, а разбившаяся о камни мостовой прекрасная женщина, упавшая с колесницы (кони понесли, возница тоже падает). Движение колесницы идёт вглубь – раскрывается реальное пространство, а не условное. Это улица, где царит ужас, паника, но каждый думает не о себе, а о своём ближнем.       Слева от разбившейся женщины и её маленького ребёнка, который остался жив, мужчина закрыл своим плащом жену и детей. Его поднятая кверху рука словно пытается остановит огонь и пепел вулкана. Внизу слева – мать, обнимающая дочерей в мольбе, обращенной к небесам.       Справа от центра мальчик и воин в перистом шлеме несут на плечах старика-отца. Рядом с ними мать и сын. Мать изнемогла и уговаривает сына спасаться одному, но он не может её оставить. У края композиции юноша неотрывно смотрит в лицо своей невесты, не замечая ничего вокруг.       Справа в глубине на ступенях храма мы видим молодого человека, у которого на голове ящик с кистями и красками – это сам Карл Брюллов. Он сделал себя «свидетелем» этого события.       Художник показал своих героев как воплощение физической и нравственной красоты, что свойственно классицизму. Но исключительная эмоциональность, исключительность события, ситуации, иное композиционное решение – это признаки нового стиля эпохи первой половины XIX века – стиля романтизм.       Впервые в картине действительная историческая среда (мостовая из огромных каменей, высокие глухие стены домов) написана с натуры. Детали – драгоценности, рассыпавшиеся из шкатулки у женщины, чье тело распростёрто в центре на мостовой – реальные. Их нашли на раскопках.       Погибшая женщина, мать, обнимающая дочерей – это близкая знакомая Брюллова – графиня Юлия Павловна Самойлова. Художник, подобно мастерам Возрождения, в контекст исторического полотна вводит себя и своих близких, что со времени XVI века в картинах не наблюдалось.       Историческая картина в отечественном искусстве получила истинное глубокое развитие во вторую половину XIX века. Это два направления сюжета: история - жизнь и деятельность великой личности, и история – как судьба народа.  Русская и мировая живопись великих художников. Русские и зарубежные великие художники, произведения мировой живописи от XV века до наших дней. Картины Брюллова Портрет княгини Салтыковой Пифферари перед образом мадонны Всадница Содержание этого сайта, обращено ко всем, кто стремится расширить свой кругозор, свои познания в области мировой живописи. Современная жизнь требует от человека большой эрудиции в различных областях знаний, не является исключением и сфера искусства. Автор поставил перед собой задачу помочь человеку, не знакомому с творчеством знаменитых художников, приобрести начальные знания в этой области. При работе над этим интернет-альманахом автор думал прежде всего о читателях юношеского и подросткового возраста, которые только начинают открывать для себя мир искусства. Это, разумеется, не значит, что для читателя среднего возраста сайт не представляет интереса, наоборот, он получает возможность проверить свои знания и значительно расширить их, узнать нечто интересное о картинах и художниках, которые ему уже давно знакомы. При написании статей автор постарался ограничить употребление искусствоведческих терминов, которые могли бы помешать читателю, не вооруженному специальными знаниями, адекватно воспринимать содержание. Этот сайт отличается от книг по искусству прежде всего особым расположением материала. Невозможно рассказать о картине и не упомянуть о жизни автора этого произведения. Жизненный путь живописца, его личность, эпоха, в которую он жил и работал, несомненно, находят отражение в его творчестве. По этой причине в каждой статье сведения о конкретной картине неизбежно перемежаются информацией о самом художнике, фрагментами его творческой биографии и наиболее значительных событий в его жизни. Великие художники создали за всю историю изобразительного искусства немало живописных произведений. Автор не стремился рассказать или хотя бы упомянуть о каждом из них. Этим обусловлена строгость в подборе материала. Таким образом, в содержание этого сайта включены лишь наиболее известные полотна великих мастеров кисти, вошедшие в сокровищницу мировой живописи. На сайте читатель найдёт репродукции упоминаемых картин, что позволяет полюбоваться наиболее прекрасными полотнами в истории живописи. Однако следует учитывать, что никакая, даже самая качественная копия не передаст всей красоты живописного произведения, всех оттенков красок, которые использовал художник для написания своей картины. Увидеть подлинники шедевров мировой живописи можно лишь в музеях, однако для многих читателей посещения таких знаменитых собраний коллекций полотен, как Лувр или Эрмитаж, может быть затруднительным, и в этом случае репродукция поможет хотя бы представить, как выглядит картина, о которой идет повествование. Информация, касающаяся того или иного полотна, изложена весьма лаконично: передан сюжет картины и немного рассказано о методах, которыми пользовался художник при создании своего произведения. При желании познакомиться с какой-либо картиной поближе читатель может воспользоваться специальной литературой на эту тему и посетить музей, чтобы воочию увидеть шедевры мирового искусства. Совершить это увлекательное путешествие в мир прекрасного, узнать о великих художниках (русских и зарубежных), самых значительных произведениях мировой живописи, начиная с XV века и заканчивая современностью, познакомится с различными стилями и жанрами живописи нам помогла Елена Евгеньевна Трибис, писатель, автор многочисленных книг и популярных энциклопедий. Развивающие мультфильмы Совы - Карл Брюллов - Всемирная картинная галерея.   Презентация.Жанры изобразительного искусства. Уроки 17–19 СЛОЖНЫЙ МИР ИСТОРИЧЕСКОЙ КАРТИНЫ (уроки-практикумы) Цель: Сформировать представление о сложном мире исторической картины. урок 17 – На прошлом уроке мы познакомились с творчеством великого русского художника В. И. Сурикова. Открыли для себя сложный мир исторической картины. Увидели, в чем ее отличие от произведений бытового жанра, портрета, пейзажа, натюрморта. У героев исторической картины всегда собирательный образ. – Как вы на уроках литературы давали определение этому понятию? Приведите примеры. Исторический жанр – один из важнейших в изобразительном искусстве. Он объединяет произведения, в которых запечатлены значительные исторические события, герои прошлого. Дома вы обдумали исторический сюжет для собственной композиции, подобрали нужный материал. Вы уже знаете, что включает в себя процесс работы над композицией. Перечислите этапы работы: – Обдумывание (сбор материала). – создание композиционных эскизов. – Выполнение этюдов. – Перенос композиционного решения на большой формат. Работать вы будете на формате А3, для набросков и эскизов используйте привычный вам формат А4. Дальнейшую часть урока ученики проводят в практической работе. Педагог по ходу урока дает советы или рекомендации. Домашнее задание: собрать материал для своей композиции-зарисовки, репродукции костюмов, архитектуры того времени, когда происходило историческое событие. урок 18 (урок-практикум) Урок колористического построения пространства композиции, выполненной карандашом. Учащиеся переносят рисунок на большой формат. Выбирают цветовое решение своей композиции, используя цвет как средство художественной выразительности. На уроке могут быть использованы те же приемы тематической беседы, что и при написании картины с бытовым сюжетом (см. уроки 6, 7, II четверть). Домашнее задание: подобрать недостающий материал для композиции своей картины. Сделать наброски фигур в движении в позах и ракурсах, необходимых для композиции. урок 19 На этом уроке учащиеся заканчивают работу над своей картиной, дают ей название. В конце урока организуется выставка, обсуждение и защита работ. Работы учащихся, выполненные на уроках, посвященных исторической картине, могут быть использованы для оформления кабинетов истории, школьной библиотеки. Работы, посвященные теме великой Отечественной войны, становятся основой школьных тематических выставок, посвященных Дню защитника отечества, Сталинградской битве, Дню Победы и т. п. Урок 20 ЗРИТЕЛЬСКИЕ УМЕНИЯ, И ИХ ЗНАЧЕНИЕ ДЛЯ СОВРЕМЕННОГО ЧЕЛОВЕКА Цель: 1. Сформировать представление об особом языке искусства и средствах его выразительности. К тому и служат искусства, чтобы дать возможность познания добра и зла. А. Дюрер Искусство не подделывает и не заменяет реальный мир, а объясняет его, расширяет и продолжает. К. Ф. Юон Исторически сложились устойчивые формы существования и развития искусства – архитектура, декоративно - прикладное искусство, живопись, скульптура, графика, художественная фотография, литература, музыка, хореография, театр, кино, телевидение, искусство эстрады, цирк. Надо уметь разобраться в содержании тех картин, где почти нет действия, отсутствует многосторонне развитый «литературный» сюжет. Такие картины создавались и создаются очень часто. Искусство быть зрителем – большое и нелегкое искусство. Для него необходимы терпение и вдумчивость, широкий кругозор, понимание своеобразных законов и особенностей каждого вида и жанра творчества. Оно требует развития не только физического, но и особого, духовного зрения, зрения художественного. Иными словами, для того чтобы в полной мере понять художника, нужно в известном смысле и самому быть художником, человеком творческого восприятия, достойным быть другом, справедливым судьей и как бы соавтором мастера искусства. Понимание живописи, как и любого иного вида искусства, не приходит само собой: оно венчает долгую, упорную и разностороннюю работу по воспитанию в себе качеств передового зрителя-художника. Но эта работа щедро вознаграждается: чуткого, вдумчивого, понимающего зрителя произведения искусства встречают как равного, приемлют «как собеседника на пир», раскрывая перед ним все огромное богатство своего содержания, своих образов. Описание картины Карла Брюллова «Последний день Помпеи» «В России тогда был лишь один живописец, пользовавшийся широкой известностью, Брюллов» — Герцен А.И. об искусстве. В первом веке нашей эры произошла серия извержений вулкана Везувий, которые сопровождались землетрясением. Они разрушили несколько цветущих городов, которые были расположены недалеко от подножия горы. Города Помпеи не стало всего за два дня — в августе месяце 79 года он был полностью засыпан вулканическим пеплом. Он оказался погребенным под семиметровой толщей пепла. Казалось, что город скрылся с лица земли. Однако, в 1748 г. археологи смогли его раскопать, приоткрыв завесу ужасной трагедии. Последнему дню древнего города и была посвящена картина русского художника Карла Брюллова. «Последний день Помпеи» — самое известное полотно Карла Брюллова. Шедевр создавался долгих шесть лет — от замысла и первого эскиза до полноценного полотна. Ни один русский художник не имел такого успеха в Европе, как молодой 34-хлетний Брюллов, за которым очень быстро закрепилось символичное прозвище — «Великий Карл», — что соответствовало масштабу его шестилетнего многострадального детища — размер холста достигал 30 квадратных метров (!). Примечательно, что само полотно было написано всего за 11 месяцев, все остальное время ушло на подготовительную работу. Ссылка  Сказочно былинный жанр.  Волшебный мир сказки. Цели: 1. Сформировать представление о сказочно-былинном жанре в живописи на примере творчества В. Васнецова и И. Билибина. 2. Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру, любовь и интерес к искусству. 3. Развивать навыки поисковой работы и коллективного восприятия, творческое отношение к выполнению задания. – Сегодня мы поговорим об особом жанре – жанре сказки и былины. Со сказками мы встречаемся еще в раннем детстве и на всю жизнь запоминаем их героев. Это и народные сказки с их героями, и сказки великих сказочников-писателей. – Вспомните народные сказки и их героев. – Вспомните писателей-сказочников и героев их книг. А теперь мы отправимся в тридевятое царство в тридесятое государство – туда, где живут эти герои. Сказочный мир Билибина Среди русских молодых художников конца XIX века, воспринявших заветы Васнецова, оказался художник Билибин. Свое понимание национальных задач в искусстве он выразил так: «Настоящий национализм художника сказывается не в том что он заранее говорит себе: буду работать в русском стиле, – а в том, что, будучи связан тысячью незаметныx, но несомненных нитей со своей страною, он совершенно безотчетно и инстинктивно имеет тяготение именно к этой стране, а не к другой». Своим искусством Билибин звал в мир, где нет трагедий, где царит счастье. С юных лет он был покорен русским народным искусством и не изменил ему до конца своих дней. Иван Яковлевич Билибин родился в 1876 году в Петербурге в семье военного врача. Отец не поддерживал стремлений сына к рисованию, и по желанию отца Билибин кончает юридический факультет Петербургского университета, но одновременно занимается в школе Общества поощрения художеств, а также как вольнослушатель поступает в мастерскую Репина, в Академию художеств. В 1898 году он едет в Мюнхен, чтобы работать в мастерской профессора Ашбе. Основы точного рисунка сохранились у Билибина на всю жизнь. Лето 1899 года Иван Билибин проводит в Тверской губернии, здесь начинается его знакомство с русской деревней и народным творчеством. «Будучи еще юношей,– вспоминает художник, – я нашел тот источник, который был мне нужен и любим, и с которым я не расстанусь до самой моей смерти». В 1899 году Экспедиция Заготовления Государственных Бумаг начала выпускать русские народные сказки с рисунками Билибина. Имя Билибина стало широко известным по всей России. В его лице оказался мастер, прекрасно передававший дух радостной и народной сказочности. И само издание отличалось замечательной передачей красочных рисунков и парадной внешностью. По сегодняшний день эти «билибинские» сказки являют пример высокой полиграфической техники. В этой серии были «Василиса Прекрасная», «Сказка об Иване Царевиче и сером волке», «Белая уточка», «Царевна-лягушка» и др. Билибин всецело примкнул к объединению «Мир искусства». Сегодня, быть может, мы скажем, что насыщенность архитектурными деталями и декоративными орнаментами рисунков художника несколько усложняет восприятие детьми этих сказочных образов, но для своего времени «билибинские» сказки были большим радостным событием, открывшим глаза на красоту народного творчества. Надолго запомнились белый, красный и черный всадники из сказки «Василиса Прекрасная», или Иван-Царевич, увидевший лягушку в болотистом березняке, или танец Царевны-Лягушки перед царем. Первый шумный успех был толчком для дальнейшего развития творчества художника. Он совершает поездки на север России, Вологодскую и Архангельскую губернии, где открылись ему красоты деревянной архитектуры и орнаментальное богатство народных костюмов и вышивок. Одно из заключений о поездке на Север Билибин формулирует: «...Народное творчество – душа народа и его сила и гордость... оно не раз спасало и объединяло народ». Результаты поездки Билибина сказались довольно скоро. В 1904 году выходит из печати былина «Вольга» с рисунками Билибина. Это одно из лучших изданий начала нашего века. Первая иллюстрация показывает выезд дружины Вольги. Дородная осанка Вольги и его достоинство сразу говорят, что это предводитель дружины. Богатая упряжь, щиты и копья, головы коней с развевающимися гривами даны на фоне декоративного пейзажа. Другие иллюстрации этой былины рисуют фантастическое индийское царство, недра моря, птиц и сказочных животных. Все в издании этой былины отличалось вкусом и изяществом: заставки, заглавные буквы, концовки, обложка, не говоря о самих иллюстрациях. В дальнейшем своем развитии Билибин встречается с творчеством Пушкина, ибо художник не мог не увидеть народную основу в пушкинских сказках. В 1905 году появляется «Сказка о царе Салтане» с рисунками Билибина. Ласковый юмор Пушкина был дополнен потоком орнаментальных узоров. Тут был виден царь Салтан в зимний вечер у окошка трех девиц, тут бочка плыла по пенистым волнам, тут царевич Гвидон на берегу моря, из которого выходили 33 богатыря во главе с Черномором. Рисунки запоминаются как нечто светлое, радостное и волшебное, совершенно русское и вполне отвечающее тексту Пушкина, местами дополняя, но нисколько его не нарушая. Усиление стилизации сказалось у Билибина в иллюстрациях к следующей пушкинской сказке «О Золотом петушке», что можно объяснить воздействием на нeгo лубочных народных картинок и знакомством с японскими гравюрами на дереве, в которых Билибин видел обоснование своим работам. Но не одни сказки и былины интересовали Билибина, его привлекали и другие стороны народного творчества: поговорки и загадки. В рисунках к загадкам есть также юмор, облеченный в привлекательную и декоративную форму. Декоративные качества работ Билибина, его фантазия и глубокое знание стилей привлекли его к театральной работе. Во время гражданской войны Билибин попадает в Египет и пишет оттуда: «Мусульманские кварталы в Каиpe – очень специфичны, архитектура великолепная... садись и рисуй восточную сказку». Упоминание о сказочности весьма примечательно, он своих юношеских грез не забыл. В Египте он почувствовал яркое южное солнце, и в его новых работах растворились прежние четкие контуры рисунков. В 1925 году Билибин поселяется в Париже, здесь он снова занят любимой работой по иллюстрациям книг. Им исполнены рисунки к французским, немецким и русским сказкам. Нередко возвращался Билибин к своим старым темам о Вольге, Царевне-Лягушке, но никогда не повторял старых работ, а вносил в них новые черты. Оторванность от корней родного искусства была главной причиной его возвращения в 1936 году на родину. Уже в СССР были изданы с рисунками Билибина «Сказка о рыбаке и рыбке» А. С. Пушкина, «Песнь о купце Калашникове» М. Ю. Лермонтова и «Петр Первый» А. Н. Толстого. По свидетельству всех знавших Билибина лично, он был веселый, компанейский человек, всегда склонный к оптимизму, подходил к людям с открытой душой. Общительный, остроумный собеседник, он любил беседу не только с равными себе по развитию людьми, но находил удовольствие в общении с рыбаками, рабочими и был гостеприимным, хлебосольным хозяином. Он любил природу, животных, птиц, рыб, растения. В Египте он завел хамелеонов, а в Париже развел около 40 канареек, которые свободно летали по его мастерской; одновременно в небольшом террариуме сидел сверчок, развлекая художника по вечерам своею музыкой. Здесь же в аквариуме плавали всякие тропические рыбки. Билибин приехал в Петербург-Ленинград и начал работать как профессор графической мастерской Академии художеств, вызывая, как обычно, уважение со стороны студентов. Но началась война, со своей частной квартиры Билибин переехал в подвальный этаж Академии художеств, где разместились преподаватели. Тяжелые условия подвальной жизни и отсутствие надлежащего питания подорвали слабые силы Билибина. Он отказался эвакуироваться в глубь России и продолжал все время работать над серией декоративных панно, объединенных общей темой – «Богатыри». Последней его работой была иллюстрация к былине «Дюк Степанович». Это был подробный подготовительный рисунок, который надо было покрыть акварелью, но он так и остался только в карандаше. Чувствуя, что силы его оставляют, Билибин поставил под верхней кнопкой, удерживавшей бумагу на доске, восьмиконечный крест. Это был последний штрих, «последнее прости» художника. И. Я. Билибин скончался в ночь с 7-го на 8-е февраля 1942 года. Все произведения художника объединяет одно неизменное качество – исключительное мастерство. Что бы ни делал Билибин, он всегда остается подлинным мастером своего дела. Долгими днями «вытачивал» мастер нужные ему детали, не допуская ничего недоделанного. Работы Билибина учат уважению к труду и ответственности за каждую линию, за каждый узор. Но дело, конечно, не в одном мастерстве. Во всех работах художника видна любовь его к древнему миру России, и любование этим миром он пронес через всю свою жизнь. И. Я. Билибин видел мир в неисчислимых узорах, сплетающихся в жизненных формах. Пленительна его мечта о счастье, об использовании в жизни всяких образов красоты. Кто хранит в себе молодость души, тот найдет в работах Билибина радость. (Климов, Е. Е. Русские художники // Юный художник. – 1994. № 11–12. – С. 24–27.) И. Я. Билибин. Баба-яга. Иллюстрация к сказке «Василиса Прекрасная» Иллюстрация к сказке «Царевна-лягушка» И. Билибин. Обложка книги сказок «Василиса Прекрасная» И. Билибин. «Жил-был царь…» И. Билибин. Иллюстрация к сказке «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» Вопросы для беседы после прослушивания сообщений. 1. К какому виду изобразительного искусства мы отнесем работы этого художника? Почему? 2. Чем отличаются иллюстрации И. Билибина от иллюстраций этих же сказок другими художниками? Но сказки не только иллюстрированы. Герои сказок становились и героями живописных полотен многих художников. (Видеоряд: И. Врубель, В. Васильев и др.) Но был художник, который посвятил сказке всю жизнь. Его картины знают многие, они о героях русских  народных сказок и былин. По сказочной дорожке мы пришли с вами на древнюю дивную русскую землю. А вот и жители этой земли. Кто они? Какие это сказки? (Видеоряд картин В. Васнецова.) А теперь давайте узнаем кто увидел их такими. Учащиеся выступают с сообщениями о творчестве В. Васнецова. Гамаюн, птица вещая (Картина В. Васнецова) На гладях бесконечных вод, Закатом в пурпур облеченных, Она вещает и поет, Не в силах крыл поднять смятенных... Вещает иго злых татар, Вещает казней ряд кровавых, И трус, и голод, и пожар, Злодеев силу, гибель правых... Предвечным ужасом объят, Прекрасный лик горит любовью, Но вещей правдою звучат Уста, запекшиеся кровью!.. А. Блок, 23 февраля 1899 г. Гамаюн – по древнерусским поверьям, сказочная птица-вещунья с человеческим лицом. Трус – землетрясение. ВАСНЕЦОВ ВИКТОР МИХАЙЛОВИЧ Васнецов Виктор Михайлович (родился 15 мая 1848, село Лопьял, ныне в Кировской области – умер 23 июля 1926, Москва), российский художник. Сыграл ведущую роль в эволюции русского искусства от реализма XIX века к стилю модерн. Годы учебы. Выходец из семьи сельского священника, первоначально обучался в духовной семинарии в Вятке (1862–1867), затем, увлекшись искусством, поступил в рисовальную школу при петербургском Обществе поощрения художеств, где в 1867–1868 гг. учился под руководством И. Н. Крамского. В 1868–1875 гг. совершенствует мастерство в петербургской Академии художеств. С 1878 г. – член Товарищества передвижных художественных выставок. В. Васнецов. Автопортрет Ранний период. Творческая биография Васнецова отчетливо делится на два больших периода. В первом он следует принципам передвижнического социально-критического жанра. Среди героев картин – петербургская беднота, чета обнищавших стариков, меняющая жилище («С квартиры на квартиру». 1876, Третьяковская галерея). Добродушного юмора полна картина «Преферанс» (1879, там же), иронизирующая над унынием мещанской жизни. Ирония и сострадание сливаются здесь воедино, что близко поэтике Ф. М. Достоевского. Фольклорно-исторические картины. Подъем общественного интереса к национальным древностям в последние десятилетия XIX века приводит к решительным сдвигам в творчестве художника. Обращаясь к темам фольклорной мифологии, он радикально реформирует русский исторический жанр, сочетая исторические реалии, воспроизведенные с археологической достоверностью, с волнующей атмосферой легенды. Среди его популярных полотен этого периода – картины «После побоища Игоря Святославича с половцами» (1880) (по мотивам «Слова о полку Игореве»), «Аленушка» (1881), «Царь Иван Васильевич Грозный» (1897). Наибольшую известность получила картина «Три богатыря» (1881–1998) с фигурами конных витязей: Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича – охраняющих границы отечества. все четыре картины – в Третьяковской галерее. На смену ранним психологическим новеллам приходит монументальный эпос. Ряд произведений (например, «Три царевны подземного царства», 1881, Третьяковская галерея) уже несет в себе все характерные черты декоративной картины-панно стиля модерн, основанной на поэтике символизма, которая размывает границы между сказочной фантастикой и реальностью. У русских и зарубежных ценителей (например, у А. А. блока и Р. М. Рильке) творчество нового, «эпического» Васнецова находит горячий отклик как выражение «нового русского стиля». Мастером декоративной живописи Васнецов проявил себя в панно «Каменный век» (1883–1885), написанном для московского Исторического музея, изобразив на нем древних предков славян. Но самым крупным его свершением в области монументального искусства явились росписи киевского Владимирского собора (1885–1896). стремясь по возможности обновить византийские каноны, художник вносит в религиозные образы лирическое, личностное начало, обрамляет их фольклорным орнаментом. Архитектура и дизайн. Самобытен вклад Васнецова также в историю архитектуры и дизайна. По его эскизам в Абрамцеве были выстроены церковь в духе средневековой псковско-новгородской традиции (1881–1882) и шутливо-сказочная «Избушка на курьих ножках» (1883). Им была также разработана декоративная композиция фасада Третьяковской галереи (1906) с гербом Москвы («Св. Георгий, побеждающий дракона») в центре. Поздний период. Поздний период творчества художника исполнен мрачных переживаний. Ужасы революционного террора начала века толкают его в лагерь правых экстремистов национал-шовинистического толка. Он вступает в «Союз русского народа», оформляя своими славянскими орнаментами издания «союзников». Полны сложного аллегорического подтекста картины «Царевна-Лягушка» (1901–1918) и «Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем» (1913–1918); общественность воспринимала их как выражение тревожных раздумий мастера по поводу назревавшей и свершившейся социальной катастрофы. После революции он не принимает активного участия в художественной жизни, но продолжает работать, создав, в частности, ряд значительных портретов, в том числе неоконченный портрет художника М. В. Нестерова (1926; находится в Доме-музее В. М. Васнецова. Москва), испытавшего его глубокое влияние. В 1953 году московский дом Васнецова (построенный по его эскизу в 1894 году) был превращен в Дом-музей. Музей имени братьев Васнецовых был открыт в 1988 г. в Кирове (б. Вятка). В. Васнецов. Витязь на распутье В. Васнецов. Иван-царевич на Сером Волке В. Васнецов. Аленушка В. Васнецов. Три царевны подземного царства Вопросы для беседы после прослушивания сообщений: 1. Чем различаются картины И. Билибина и В. Васнецова? 2. Кто основные герои картин В. Васнецова? (Люди или сказочные герои?) 3. Какая из картин вам больше всего понравилась, почему? – А дорожка в сказочной стране никогда не кончается и снова она ведет нас к новому городу. Но в этом сказочном городе живут герои, которых вы сами нарисуете. Они такие, какими вы их видите. В работе вам помогут все представленные и собранные материалы урока. Можете рисовать любимых сказочных героев, героев новых сказок… Практическая работа. В конце урока проводится экспресс-выставка «Что за прелесть эти сказки». Работы вывешиваются на доску. – А теперь давайте угадаем, кто есть кто? Авторы рисунков нам помогут. Заключительное слово учителя. Какого бы успеха ни достиг человек в развитии науки, техники, как бы он ни покорял природу, космос и многое другое, он никогда не забудет мир сказки. Ведь только там царит настоящее счастье, красота, доброта и справедливость. А этого человеку всегда не хватает в жизни. Домашнее задание: самостоятельно познакомиться с картиной Рембрандта «Возвращение блудного сына» и с притчей, по которой она создана. Эта притча из Библии. Прочитайте ее. Сказочный портрет Царевна - Лягушка из Русской сказки для детей: рисование с РыбаКит Библейская тема в изобразительном искусстве. Всепрощающая любовь.  Рембрандт и его картина «Возвращение блудного сына» Возвращение блудного сына Рембрандт 4 четверть «Плакат и его виды» Цель урока: Познакомиться с искусством плаката, расширить и углубить знания о видах графики, выяснить, какие особенности у плаката и чем он отличается от других видов изобразительного искусства. Словарная работа Плакат (стенгазета) (нем. Plakat от фр. placard — объявление, афиша, от plaquer — налепить, приклеивать) — броское, как правило крупноформатное, изображение, сопровожденное кратким текстом, сделанное в агитационных, рекламных, информационных или учебных целях. (В другом значении — разновидность графики).

Другая задача – донести до зрителя смысл плаката. Во имя краткости, доходчивости и выразительности в плакате применяются: ясные символы и знаки, условность, обобщение изображения, упрощение цветовых отношений, отказ от второстепенных деталей.

Плакат должен быть: Ярким; Броским; Выразительным; Лаконичным по композиции; Изображение должно сочетаться с кратким текстом; Шрифт текста должен хорошо читаться и соответствовать содержанию плаката, создавая единую композицию; Должен привлекать к себе внимание.

Домашнее задание:

Просмотреть видео, изучить конспект, подготовиться к тесту. Пройти тест, результат присылать не нужно, я увижу.

Номер теста: 583438319

Пройти тест вы сможете на сайте videouroki.net, выполнив 2 шага:

1. В разделе “Тесты” нажать синюю кнопку “Пройти тест”
2. Ввести номер теста и выполнить его
3. Результаты вы сможете увидеть в личном кабинете в разделе "Мои тесты"

Также можно пройти тест по ссылке: 

https://videouroki.net/tests/583438319/

Урок №2

"Шрифты"

Правила выполнения декоративного шрифта

Домашнее задание: 
1. нарисовать алфавит на листке в клетку, или:
2. на альбомном листе, или:
3. посмотреть видео и нарисовать аналогично

Книга. Слово и изображение. Искусство иллюстрации.

Цель урока: 

Формирование знаний учащихся об иллюстрации, как форме взаимосвязи слова с изображением.

Задачи урока:

- личностные  - формировать бережное отношение к книгам

     - метапредметные – развивать познавательный интерес, познавательную активность, ассоциативно-образное   мышление;

 - предметные - формировать творческий интерес, эстетический вкус, усидчивость, аккуратность.

Запишите в тетрадь и запомните:

1. Обложка
2. Форзац (перед текстом)
3. Фронтиспис (страница с изображением, образующая разворот с лицевой страницей титульного листа)
4. Титульный лист (одна из первых страниц книги, предваряющая текст произведения).
5. 
   

Домашнее задание:

Просмотреть видео, изучить конспект.

Написать конспект.  ИЛИ 
Нарисовать рисунок 
https://www.youtube.com/watch?time_continue=9&v=W8aCsVkjGzg&feature=emb_logo

 КНИГА

КАК СДЕЛАТЬ КНИГУ  (БЛОКНОТ)  ПОЛНОСТЬЮ

КАК НАРИСОВАТЬ РОЗУ (ВИДЕО)

КАК НАРИСОВАТЬ СКРИПКУ